墙绘一幅工笔画作品常用到的绘画技法

墙绘作品一幅工笔画的技法解析
　　工笔花卉类墙绘作品属于花鸟画范畴，在我国有悠久的历史。历代出现了很多杰出的华宇画家，只有唐、五代、宋时代才出现了许多著名的花鸟画。边鲁安、黄静、徐熙、赵昌、赵吉等他们都是各具独特风格的代表画家，很多墙绘作品都被保存下来。他们的墙绘作品很有影响力，深受后人喜爱，这些珍贵的古代艺术品是学习花鸟画的参考资料。我们可以通过对历代名家名画的调查来吸收传统技法，另一方面也可以感受到古人如何以生活为基础，经过艺术提炼，创造出生动的艺术形象。
　　初学书画协调化要循序渐进，一步一步走，不能操之过急。首先，为了解决造型能力，需要不断地画画，不断地观察，了解所画物体的结构和特点。然后要熟练地掌握各种绘图技术，学会生动地塑造实物。只有不断向传统或名家学习，提高自己的艺术手段荞麦，才能画出高水平的墙绘作品。另一方面)。
　　第一，学习公笔花卉技法的第一步是写生和临摹。
　　生活是艺术的源泉私生是在生活中学习的。通过对需要画的自然多样的事物的观察、比较、分析和描述，实现生动形象的表达，不仅是绘画创作的重要阶段，也是艺术反映生活的桥梁。
　　私生的过程可以分为三个时期，即早期、中期和后期。但是在这里不能规定每个时期的具体时间，也不能在每个时期划定任何界线。取决于各自的具体情况。初期的写生，要选择简单的花卉，有规律地要求人手，逐渐从肝到繁，从易到难。威廉莎士比亚，哈姆雷特)这个时期主要集中在理解所画对象的结构特征上，准确地描写。通常先选择要画的花的角度，然后在稿纸上用浅笔画出大轮廓，一是注意构图，二是注意花和枝叶的比例，调整后慢慢用的方法仔细画出层层的花鲫鱼和各种枝叶。在这个阶段要反复练习，熟练绘画的话，可以有意识地选择分层多的花作为素描对象。中期私生重视琐碎，即注重提炼取舍，并与素描相结合，锻炼民说的观察力和艺术的概括能力，大量私生也是为了创作而广泛收集素材。威廉莎士比亚，坦普林)()一幅好的写生墙绘作品或几张相似的写生墙绘作品可以组织好的创作手稿。后期写生多用默写，注重艺术形象的创造。这三个时期各有特点，但彼此紧密相连，都离不开观察、分析、书写。写生用纸可以自由选择，只要能描述，最好都切成8张，统一保存和创作时使用。
　　临摹是仿照他人(包括古人和现代人)的墙绘作品画的，是初学者重要的学习过程，可以通过临格学习传统章法、技法，学习他人的创作经验，熟悉工具资料的运用。分享谋士“任法”和“谋士法”。林法有“邓林”和“大林”。“邓林”是用要看的别人的画来描绘的记忆。这个林林法适用于写意绘画墙绘作品。“大林”，即面对梵画，一笔一画地画得仔细。母司法界首先将稿纸遮在图上，根据样品取下稿子(有时需要利用复印等)，然后铺在画稿纸的稿纸下面(用于母公司墙绘作品的稿纸，一般为原件，大部分是熟悉的禅宗或明矾毛巾)，对照样品进行模仿。这种临摹法最适合对历代名画的印刷品进行临摹，但不能用于唐代或近代的墙绘作品。因为原著作者享有著作权。
　　但是，无论是临在还是临摹，在具体动笔前都要仔细观察稿子。这也称为“阅读图片”。也就是说，将原画从内容到形式，从题材到表达方法进行详细分析，写毛笔时“胸中有竹子”。
　　第二，工笔花卉创作的第二个阶段是独立完成手稿。
　　细致的墙绘作品通常被称为“手稿”、“草稿”、“大手稿”，用铅笔画在图画纸上。一幅完整的工笔花卉表示这部创作墙绘作品已经完成了一半。能独立完成工笔花卉墙绘作品的创作稿，从代表这位作家绘画水平的初学阶段进入创作阶段。
　　在创作创始书画墙绘作品的初期，首先要确定墙绘作品所描述的内容，在完成手稿之前要考虑好构图。构图就是适当地安排画面中描写对象的位置和气势，根据艺术规律和造型特点安排画面，更好地表达内容。要解决构图问题，可以分两个阶段进行。一个是在动笔前在小纸上再画几个“草图”。二是在开始《手稿》的过程中反复修改，达到预期的艺术效果。
　　构图在中国画传统理论中非常受重视，被称为“藏法”、“布局”。魏晋时代南仁著名画论家谢赫在《画品》年首次提出绘画的“六法”，其中“经营位置”是指构图的重要性。一幅好的花卉墙绘作品，写生素材形象生动，线条优美，构图不好，仍然不能成为好画。
　　构图的一般规律是不能坚持某种正式，而是根据内容的需要不断变化。
　　处理构图时，首先要强调主题，客人要响应。一个画面要表达一定的主题思想，就要有结构上的主动，不能不分周薪平均对待，也不能颠倒客人周而吵闹。威廉莎士比亚、温斯顿、地契)例如：画牡丹的话，花是主题，所以构图的时候，要在画的显眼位置出色地放置花。其余的枝叶是次要部分(即“空白”)，但要决定画面的拉伸和气势，并适当处理，以便客人使用。这样画面就能明确优先顺序，花的枝叶能产生彼此期待的情趣。
　　处理构图时可能会利用矛盾。也就是说，画面从变化中寻求统一，从统一中寻求变化。统一是指绘画的整体气势，变化是指结构上的多样性，画花卉最重视整体气势，但也要有花瓣、枝藤等结构上的变化。只要一幅画统一不变，就会变得单调呆板。如果只有变化，缺乏统一，观众就会感到混乱和散漫。
　　此外，变化是与两种以上不同艺术效果相邻发生的，因此也称为对比艺术手法，可以有大小、疏忽和密切、繁杂和简洁、浓度和光线等不同的艺术感染力。例：画出盛开的牡丹花，旁边还会相应地伴随着花蕾。几朵花摆在一起，大小、高低、等要不同。枝叶的分布要有密集的地方，也要有躲避的地方。为“疏可走马，密不透风”。
　　初学构图，往往容易忽视空白的重要性，其实空白也是一幅画的组成部分。空白留得好，有“虚实相生”的艺术效果。
　　以上仅仅是构图中的几个主要方面，另外，不同的构图还要与不同的花卉相适应。画铅笔“稿子”时还要注意将枝叶的来龙去脉交代清楚，并提前留出题款的地方。这些问题都解决好了，一张成功的“稿子”也就完成了。
 　　三、工笔花卉创作的第三步是勾线和染色。
　　工笔画分白描、重彩、没骨。相对工笔重彩刻画最细致真实，最适合具体地表现对象。勾线和色是工笔重彩画的制作技法。因每个人对生活的认知不同、艺术感觉也不同，所以，即便同一张“稿子”，经不同画家之手完成，也会产生不同的艺术效果。因此，学习者在学习技法的过程中，还要不断体会、总结不同的技法的艺术表现力。
　　勾线，在工笔重彩画的创作中非常重要，因为所绘对象的形、质、情态都靠用线来刻画。线由运笔生成，工笔重彩画一般常用的运笔方法，有中锋和侧锋两种。因而由于运笔方法变化，线条也出现了不同的艺术效果。利用线条的变化规律，来塑造不同的物象，是学习工笔重彩画的作者要逐渐达到的境界。古代从人物画中总结出了“十八描”，就是为了表现画中人物及衣饰的质感、量感和各种神态，所用的18种不同样式的线。画花卉也是如此，常利用线条的流畅与苍劲、浓重与浅淡、疾与徐、虚与实，以及转折、起伏等变化来表现不同的形与质。如：牡丹花瓣是柔嫩的，就适宜用柔而淡的线条刻画；荷花含水量高，花瓣挺抜，就适宜用硬而细的线条刻画；木本植物的枝干较硬，可用浓重、刚劲的线条；萱草叶长而姿态多变，可用轻重、起伏、转折等多变的线条塑造。
　　勾线的好坏，选用的毛笔是重要的因素。一般有：红毛笔（分大、小号)、衣纹笔、叶筋笔等等，现在还有一种笔尖有长锋的狼毫笔也非常好用。选用时挑选那些笔锋有尖、有弹性的，要好用一些。
　　分染、设色的基本要求，早在魏晋时期，南齐的著名画论家谢赫在《画品》中，就曾提出过，他总结的绘画“六法”中之“随类赋彩”，即在强调用各沖色彩来表现不同的物象。色彩是工笔重彩画表现力的重要因素，正确地运用，能明确地表达一定的构思，加强画面的感染力。反之可使一幅构图很好的墙绘作品归于失败。用色优劣，常随作者的感觉、好恶和艺术水平等不同而各异，因而，古人有“妙设众色无定法，妙合众色无定方”之说。
　　绘制工笔花卉墙绘作品的着色方法很多，常用的有“分染法”和“罩染法”。“分染法”，就是在勾出形象以后，用颜色染出深浅变化和花叶的正反关系。方法是，用两支羊毫笔，一支笔薩颜色、一支笔纏清水（薩色的那支等，笔锋一定要有尖），夹在右手的拇指、食指、中指之间，并要做到能将两支笔在三个手指间熟练地交换。“分染”时，先用蘸有颜色的笔，涂染需要颜色重的地方，再用薩清水的笔，将颜色润幵，反复多次，使颜色达到由深到浅，再到无的效果。“罩染法”用在“分染”完成后，大面积地“罩染”花朵或叶子的固有色。之所以称这道工序为“罩染”，是因为此时不可平涂，也要一遍遍地根据需要来渲染。
　　最后是点花蕊，并统一地对全画的素描关系加以调整。这样一件墙绘作品就完成了。
　　我在创作工笔画墙绘作品时，不赞成最后再“复勾”（“复勾”指最后用墨或色在原来勾线的地方再勾一遍)。最初勾勒的墨线有“力透纸背”的艺术效果，而“复勾”的线容易使人感到“浮”。所以，分染时每一遍颜色涂得要薄，多画几遍，不要一次浓色就把墨线吃掉。
　　由于版面有限，在此只介绍了一些技法的基本规律和创作的一般法则，希望能对大家有用。但是学习工笔画还是要靠学习者自己多发浑主观能动性，灵活运用，掌握技法，做到举一反三，扩而充之，从有法到无法，便受用不尽了。